はむらぼコラム

先日、７年ぶりですかね、クリマン演奏会に顔を出してきました。下の子が生まれる年、第２０回定演で卒業して以来、ずっと不義理をしてきましたが、ようやく時間がとれました。まずは青山さんや小野さんらに挨拶できて一安心なり。
　
この日は、たまたまタイミングが上手くあったことも理由だったのですが、ぢつは「自分探し」の意味合いがあって、私を育ててくれたクリスタルの生の音を久しぶりに聴きたくなったのです。一部の人には年賀状にも書いたのですが、今年の私自身のテーマが「トレモロの見直し」なんです。最近の練習は、ほとんど毎回といっていいほど録音をしており、コンマスとしての自分の音は何度も繰り返しレビューできる状況となっています。

でね、

ここ１～２年、自分自身のトレモロに不満がでてしまって、、、トレモロの粒々があまりに均等でないケースが目立ってしまうんです。アタックや小細工がありすぎて、録音で聴くと粗が目立ってしまう。またどうも自分のトレモロのスピードが往年に比べて遅くなったような気がしてね。。。

で、青山さんの演奏で何かヒントを、と思ったのです。で、会場ついたら、なんだ、青山さん、指揮のみぢゃん！　あらあらと思いつつ、でも他のメンバーのみなさんも非常にきれいなトレモロをする人たちだし、世界一のドラパートの秘訣もさぐってみたかったので、気を取り直して楽しんでみました。

演奏会の第一印象は、男性陣、みんな年とったなあ。。。！ってこと。自分のことはおいといて、、、女性陣がちっとも変わらずお元気そうなのと対照的に、みんな○○○になったなあ、貫禄でてきたというか横に広がったというか、髪の毛が（以下、自粛）、、、、、笑　青山さんだけはちっとも変わりませんでしたけどね。

１曲目のニューシネマが一番良かったかな？　武蔵野小ホールのなせる技か、マンドリン合奏というチューニングがあいにくい楽器の特性上の問題か、１曲目が一番透き通ったきれいな音をしていました。で、曲が進む中で、印象的だったのが「歌心」かな。これは最近の青山さんの真骨頂なのでしょう。少ない練習にもかかわらず、「俺達はお気楽だから、、、」って謙遜されてましたけど、非常に心地良く「歌」を歌っているんですよ、メンバーの一人一人が。これは、おそらくみなさん意識していないでしょうね。それだけ、なんだか自然に、ごくごく当たり前のこととしてにじみ出ているようでした。私がいたころのクリスタルとは、もしかするとちょっと違うかも。

この感覚は、お世辞でもなんでもなくって、今の自分にもっとも足りないものかなあと気付きました。あまりにも、自分達の音楽は、「音楽を難しく考えすぎている」なあと。

私自身、意識的に技術的なチェックをしていたし、普段はメトなどでコンマスをしているため、それがわかってしまう立場にいるのですが、やっていることや目指していることはそれほど変わらないのですよ。例えば、最後までちゃんとトレモロをするとか、音の拍感や上向き下向きなどを意識する、見栄をはるためにトレモロのカットを切りそろえるなどなど。昨日のクリスタルは、そうした音楽の基本的なことを、ごくごく自然に、あまり意識しない形でごくごくふつーに実現できているんですよ。

これには少しびっくり。何が理由かなと思ったのですが、あまり秘訣まではわかりませんでした。青山さんがそうしたことを徹底するような練習をしているとも思えないし（笑）、メンバーの音楽性が飛びぬけてすごい人たちばかりというわけでもなく（笑）、ごくごく普通に好きなことを、それなりに努力して、時間がないなかで一生懸命練習して、上手く出来た出来ないは本番なのでいろいろありますし、終わったら「ま、こんなもんだろ？」ってことでお気楽に美味しいお酒を飲む、、、

決して普段の我々とは大きくは違わないと思うのです。でもね、今のクリスタルはそれが出来ていて、メトやベラではそれが出来ていない。この違いは、かなり深刻なレベルかなあと思いました。

クリスタルのみなさんはね、おそらく人一倍、こだわりがあって、それを自負している団体だと思うのです。オケとしての方向性や目指すゴールはそれほどではないかもしれない。青山さんが理想とする「ふっと聴いている人の心の中に優しく入り込んで、じわじわっと温かい気持ちになれる」音楽を目指しているくらいかな？

でも、おそらく一人一人が、自分自身の出す理想的な音ということを極めて強く意識し、それを常に批評しあっているんだと思うのです。そういう文化がクリスタルにはあるのではないかな？ 批評と書いたけど、難しい話ぢゃなくて、自分の出した音がどうだったのか、隣の人と確かめ合っている。言葉ではなく、音でメンバー間で会話をしている。「音」そのものが目的なのです。

これはね、一人一人はおそらく意識していないことでしょうけど、まさしくこのカルチャーがクリスタルのもっとも素晴らしいところだと思いました。私の周りでは、「音」は手段という位置づけがウエイトを占めていると思うのです。ある意味、もっと「高度」に音楽を捉えて、「解釈」やら「表現」にこだわりを持っている。それを意識している。例えていうなら、メトは「本を読む感覚」、クリスタルは「ご飯を食べる感覚」かな？

でもね、結果的には、両者はそれほど大差なく、どちらも良いところや欠点はあると思うのです。

正直、後半にはクリスタルの「音」ににごりが出てきたし（これは楽器の特性上、やむを得ないことでしょうね。それを目立たせない選曲は可能かもしれませんが、、、）、そのために聴いていて、だんだん平板に聞こえてきた点も否めないかもしれません。

また、編曲上の特性やオリジナル作曲家のオーケストレーションの癖もあるのでしょう、音響的に立体感が生まれにくく、フォルテは１色になりがちだし、独奏はパターン化してしまって、あまり新鮮味がないなあと思ってしまうなど、マンドリン演奏会の限界を感じてしまうこともありました（あ、個人技は、もちろん楽しませてもらいましたよ、良く楽器を鳴らしているなあ、とか）。　
　
クリスタルが武蔵野小ホールという器から抜け出たときに、どれだけ実力を発揮できるかは、もしかすると予想以上の落差があるのかもしれません。

でも、自分達にとって心地良い「音色」を追求して、そのためには指揮者の解釈やテンポなどをひっくりかえしてでも自分達を主張して、一球入魂にかけている。それを一つのパートとして高めあっている。
　
そんな良さを感じた一日でした。そういう気持ちが伝わるから、お客さんの拍手が温かかったのではないかな？　客層がかなり上だったのは気にはなりますが、ま、結果オーライでしょう。

最後に、、、それでもクリスタルはあまり変わっていないなあと思ったことが、少しうれしかったです。ドラの前二人は、油断すると左足がブルブル震え出すのは師匠のK氏ゆずりだし（爆）、ポーカーフェイスのマンドリンはぢつは内心ドキドキしているってのもばれてるし、マイペースなギターは相変わらずでした（笑）。

自分探しとこれからのヒントをたくさんもらえて、雪の中、時間を作れて、三鷹まで行ってとても良かったと素直に思いました。ひさーしぶりにもえさんにもお会いできたし、思いもかけない人とおしゃべりもできたし、たまにはこうした演奏会に出没しないといけないなあと思う今日この頃でした。

＃おかテリさん、チケット手配、ありがとうございました。また機会をみつけて、おしゃべりしましょ！


演奏者のみなさま、お疲れさまでした。ありがとうございました！

さて、第２１回メトロポリタン・マンドリン・オーケストラのセルフレビュー２つ目。ソリストとしての感想を書いておきます。

本格的な独奏曲を演奏するのは、ベルク協奏曲、シベリウス協奏曲に続き、これで３回目です（あ、むかーし、別のオケでハンガリアの黄昏は弾いたか。。。笑）。で、いずれも、自らやりたいと話したことはないはずで（笑）、ししょーや指揮者から冗談半分、「次回は〇〇やるよー、弾けるよね？」「ほんとにやるんですか？　しょうがないなあ、、、」ってノリで引き受けてしまったものばかり（＝拒否権はない）。

毎回、安易に引き受けたことを後悔するのですが、今年は別の意味で非常に辛い時間が過ぎました。かなり早い譜出しだったので４月からフルに弾いていたのですが、この練習でね、メンバーの反応がないんですよ。。。




それまでの２曲は、なんだかんだ言って、練習中に曲が終わった瞬間、メンバーがいろいろな反応をしてくれていたんです。驚きや賞賛、あるいは失敗したときの苦笑など、良い意味でも叱咤激励であっても、それを感じていました。ところが、この曲はほんとに最後の最後まで反応がなかった。実際に音があまり聞こえていなかったのかもしれませんね。良いとも悪いとも言われなかったので、さすがにさとーの演奏も飽きられたかな？とか、マンドリンでやる意味を感じないとの無言のプレッシャーともとってしまったりと、ずいぶんと悩みました。このくらいの表現ぢゃ、メンバーや編曲者、指揮者も納得してくれないのかなあと。。。


今となっては、ツィガーヌはメンバーにとってもつかみ所のない「うなぎ」だったのかもしれないとも思います。あるいはさとーはこれくらい弾けて当たり前との評価であったのかもしれませんが、まあ、プレッシャーは前回以上にあるわけでした。初演者である望月君の素晴らしい演奏もあったわけですしね。

そんな中で、大きな決断をしました。前回シベコンの反省でもある暗譜で弾くこと。この年齢で、コンマス専業というこれまでのキャリアから考えて、暗譜で通すことは、これはこれは大きなハードルなのです。音楽家として曲を止めてしまうことほど、怖いことはありませんよ。それまでのすべての努力を無にしてしまいますからね。暗譜で弾いた経験は、学生のころ、ソロコン予選に出たときくらいかな？（あの時はE線２本を切ってしまって予選落ちでした。。。笑）

そうでもしないと、自分の満足できる演奏は出来ないと思ったのです。この決断が、本番３週間前。２週間前にはものすごく後悔して、やっぱり譜面を見ようと何度も低きに流れていました。ステマネには迷惑をかけましたが、セッティング表には最後まで譜面台を置くことにしてましたよ。

でも、その決断が結果的には譜読みの深さや曲の全体感を表現するのに非常に効果があったようです。本番２週間くらい前からは、頭の中はツィガーヌかツィガーヌでないかと２分されてましたし、他の曲は一切頭で鳴らせないような状態でした。

それなりの演奏をするには、少なくとも自分の技術レベルでは、これくらい追い込まないといけないんだなあとあらためて気付くことができたのが今回の収穫かな。おかげさまで、少なくとも冒頭のカデンツァについては、指揮者や編曲者をはじめとしてメンバーの皆さんからは高い評価をいただきました。やっぱり練習では上手く弾けてなかったのね。。。笑

自分自身の課題としては、これがまだまだ客席の評価であるわけではないことですかね。普段私に接している人からすれば、驚異的な演奏だったかもしれませんが、初めて演奏を聴くお客さんにしてみれば、マンドリンとはこんなものかとか、音量小さいなとか、迫力不足が否めないとの声もありました。それはきっと事実なんでしょうね。

今回、カデンツァに象徴されるように、自分自身の中であまりマンドリンを意識せずに、自由な発想で音楽を奏でることができたと思います。マンドリンという楽器の制約からいかに自由な音楽を作り出すかという自分のテーマは今後も変わりはないと思いますが、一定レベルで実現できるようになったのかな。それくらいの技術は身につけたのかなとの思いもあります。

そうした上で、さらなるパフォーマンスができるよう、精進をしていきたいです。

今回、苦労はしたのですが、本番の演奏がああいう形でそれなりに出来たのには、いくつかの理由があったと思います。その一つ。冒頭、１小節目の連打。初めて出すあの会場での響きを聴いて、確信を持って直後のブレイク時間を長くとったこと。本来であれば３拍目までギリギリ伸ばして、短い８分休符を置いた上で素早い回転を行うのですが（フレーズをちゃんとつなげる）、この小節だけは拍感を打ち出さずにロングトーンのトレモロを短めにして、音を切らない形で半分フェルマータにして時間を止めてみたんです。客席からすると気付くか気付かないくらいの時間ですが、演奏する側からしてみると非常に長い時間です。このときの会場の響きや会場の空気を感じて、非常に挑戦的な演奏ができると直感したんですよね。その後は一気にテンポ通りの演奏に。

＃カデンツァ風にという譜面の指示なんだから、１小節目くらいは崩して弾いてもいいでしょ？（笑）　あとは譜割り通り弾いたつもりなので。。。

そんな技術的な「かけひき」ができた瞬間でした。何がきっかけになるかはわからないのですが、自分自身の全神経を集中させて、周りと対話して、そこに初めて自分自身も聴いたことのない音楽が生まれる、そんな経験ができたことを素直に喜びたいと思います。そしてますます自分自身は透明で真っ白いキャンバスになって、多くの人の想いや多くの響きの力を得て、一つの表現ができればと思います。

この１週間、終電やらタクシー帰りやら、連日の自転車操業ですっかり仕事モードに戻っていました。さすがに疲れたね。

さて、先週１２日は、メト演奏会でした。会場にお越しいただいた皆さん、またさまざまな形で応援していただいた皆さん、ありがとうございました。非常に気持ち良く演奏会を終えることが出来、楽しい時間を過ごすことができました。

さて、ウェブ上では見事にスルーされてしまったので（笑）、ちゃんとセルフレビューをしておこうと思います。今回は２つの立場での感想を。。。

まずは、コンマスとして。メトは、選曲や編曲の特徴をアピールしているので、内外の評価もそのまま受け止められていると思います。それを否定するつもりはまったくありませんが、やはりコンマス（＝労働組合トップかな？ｗ）という立場からすると、その演奏で評価して欲しいという気持ちが年々高まっています。

で、その点からして、今シーズンの出来はまだまだかなあ。。。苦笑　ちょっと厳しめですね。

練習で出来たことを本番で再現できたと言う点では９５点くらいつけても良いと思います。大きな事故もあったけど、ドビュッシーの雰囲気はメトの真骨頂ではないでしょうか？　演出の助けを借りてメンバーがその気になったとは思いますが、それでも１０年以上もラヴェルやドビュッシーというフランス音楽を経験して、それなりの語法が身に付いた成果だと思います。

個人的に一番うれしかったのは、ドビュッシー３楽章の城門が閉じた後のシーン。４幕４場、外苑の泉で、ペレアスとメリザンドがお互い愛の告白をして、扉が閉まって一線を越えてしまったという場面です（その後はゴローが近づいて、クライマックスとなります）。

メトではオペラはほとんど演奏しないのですが（過去には、トリスタンとこの曲くらいですね）、このもっとも甘美な、時間の止まった瞬間を、本番でも上手く表現できたと思います。「歌伴」と言ってしまうと手抜きのように聞こえてしまいますが、そうではなく映像をサポートし登場人物の言葉に出来ない感情を代弁するもっとも音楽的な表現。これができたような気がして、メトの奏でる音楽が一つのエンターテイメントの域に達することができた、演奏面での新たなステージに突入したと思ったのです。

こういう実力がだいぶついてきたなあと思う反面、それが瞬間瞬間に現れるか否かという点で、まだまだ確実性や計算しつくされた演奏が出来ていないなあと思うのです。私の理想からすれば、まだ５～６割の出来かな。シベリウスも十分健闘しているとは思います。アマチュア音楽家でシベリウス後期３曲を演奏したことのある人は、それほど多くはないと思いますので、それなりにシベリウスの音楽を身につけてきたのかなあと。でも、まだまだですね。

指揮者の小出先生から、「メトの演奏で良かったものは、ほとんどが２回目」って言われて、確かにそうかなと思いました。繰り返しの演奏をしないと身に付かないことなんでしょうね。

こうしてみると、私自身の理想はある意味プロフェッショナルなんでしょうね。お金払っていただけるに値する演奏、あるいはエンターテインメントな時間を提供するということ。でもメトでは、そういうことをごくごくふつーのメンバーが行っている、否、行うことができるということを示していきたいんです。マンドリンの可能性を追求するって、結局は自分自身の殻を突き破るということですからね。プロ以上にプロらしいことができるのは、アマチュアの特権です。

最後に、新しいホールとの出会いについて。もう大満足ですね。その響きの素直さ、ステージ上とホールとの響きの違いがないことなど、非常に演奏しやすいホールでした。スタッフの充実したサポートもうれしいものでした。カザルスに比べると、音がそのまま前に飛んでくる分（もちろん響きを加えてですが）、マンドリンの高音域が耳についてしまいます。マンドリンのちょっとくどい嫌な音が聞こえてしまいがち。これは今後も調整できることなので、あまり気にはならないです。技術面での新たな音作りにチャレンジできると思っています。

ということで、長くなるのでとりあえずここまで。次はソリストとしてのセルフレビューです。

ハイフェッツやグールド、チェリビダッケのように強烈な個性も確かに
必要かも。

でも、私は演奏者としては、「真っ白いキャンバス」でありたい。
自分自身の解釈や音が前面に出る必要はない。




もしかして器用貧乏なのかもしれないけど、その作曲家らしい音楽を
奏でることが一番だと思っている。それが自分自身の芸風なのだと思う。

長い時間と多くの聴衆や奏者という淘汰を経て、生き残った音楽作品。
その曲にあった、その作曲家らしい歌いまわしや音の処理があるはず。
それは、共通の財産だと思う。

自分自身を無にして、それを徹底的に表現したい。そこがスタート地点。
たとえ、それが最大公約数的で面白みに欠けると評されても。。。




どんなに楽譜を読み込んでも、読みこぼしがある。だから、一つでも多く
の演奏を聴いてみたい。自分自身の中に、血肉として音楽を吸収したい。
そして、自然な、誰からみても、その作曲家の作品らしい音楽を奏でたい。


そこがスタート。



そしてその結果が、自分自身の強烈な個性だと思いたい。。。

小方厚著
　「音律と音階の科学」講談社ブルーバックス、２００７年

こういう科学的な本ってのは、とってもいいですね。いままで今ひとつピンとこなかった
話がだいぶすっきりと頭の中に入りました。

音程が「差」ではなく「比」で決まるというのをあらためて認識。


ということは、、、「ｆ」と「ｆｆ」ってのも、「差」ではなく「比」なのかな？

そう考えると、力の入れ具合も変わってきますね。

メト本番まで、３ヶ月をきった
まだ編曲もあがっていないが、シベコンソロの練習にはもう一時の猶予はない


そんな中で、今できる練習とは？
音はもうすでに取り終えた
運指も何度も工夫した
弦指定もいろいろなパターンを考えた



あとは、ひたすらゆっくりと、確実に、演奏できることを繰り返す
一定のテンポで、部分部分ではなく、滞りなく弾ききること
そう、７～８割のテンポで十分、否、そのテンポで必ず弾けるように
まずはそこができて、初めて土俵にのる

それがスタート




そして、、、、それがゴールかもしれない
それが出来なければ、音楽にはならない
評価の対象にものらない


メカニカルな動きをつかんでこそ、、、それができて初めて
自分自身の個性を考えよう
頭の中ではいくらでもシミュレーションできるのだから。。。

中川右介著
「巨匠たちのラストコンサート」（文春新書６３６、２００８年５月）

これは結構面白かった。確かに、最後の演奏会って、演奏者としてはあまり
意識しないのかも。そしてそれが成功裡に終わることってのはあまりないの
かもしれませんね。こうした事実って、ちょっと残酷かな。。。

ただ、自分自身、どういう演奏ができたら、道楽から卒業してもいいってのは
意識しているつもり。好きな曲で、会心の演奏ができたら、もういいかなと
いうのにあこがれています。そんな日が来ることは、、、きっとないんだろう
なあ。。。笑

千蔵八郎著
「コンサートプログラムのつくりかた」（春秋社、２００７年１０月）

この手の本はあまり見かけなかったかも。コンサートプログラムといっても、
ピアノリサイタルのみの考え方なので、オケにはあまり参考にならないかも
しれません。

でも、プログラムのパターン解説だけでなく、その中でどういう演奏をすべきか
という点を記載しているのは注目してもいいかも。結局、プログラムとは、選曲
だけでなく、一つの演奏会をどういう時間として作り上げるかということですからね。

青柳いずみこ著
　「ボクたちクラシックつながり―ピアニストが読む音楽マンガ」(文春新書 622)

　内容的には面白かったですが、うーん、どうしても「のだめ」をネタにした
便乗本と感じてしまいます。内容的にはほんといいんですけどねえ。。。

　それにしても、ピアニスト＠不良債権といわれてしまうと、プロもなんだか
なあ。。。
　

金聖響＋玉木正之の「ベートーベンの交響曲」講談社現代新書１９１５より。

一つの作品を演奏するのに、その作曲家のいろいろな作品を聴くのは当たり前の
ようにやっていたが、次の視点はなかったかも。

思いっきり意訳すると（厳密には作曲時期の前後などいろいろあるけど）、、、

「ベートーヴェンの５番を演奏するのに、６番や９番などのことは忘れる。５番が
作られたときは、まだ世の中に６、７、８、９番などの作品は生まれていなかった。
作曲当時のそれまでの作品の集大成が反映されているのみ。後世の我々は
交響曲が９曲あることを知っているが、作曲した当の本人は、少なくとも作曲
時点ではそのことを知らない。」

ということで、ベートーヴェンの交響曲だけでなく、すべての作品において、
もう少し一曲入魂ということを真剣に考えて作品に対峙すべきなのかな？

それ以外で気になった言葉。

「音の事実を再現するだけ」

「頭の中の理想の音」と「現実に出ている音」との比較と瞬間的な調整

聖響さんの演奏はあまり聴いたことがなかったのですが、ＯＥＫのＣＤなど
少し集めてみようかな？

徹底的に違いを聴く。
テンポ、フレージング、アーテキレーション、バランス、音色、そしてリズム。

聴いて聴いて、さらに聴いて。
スコア見ながら聴き比べて。
部分で聴いて、全体で聴いて。

そして理由を考える。
わからない演奏はもう聴かない。自分にとって意味のある演奏は、１０種類以上聴いて、せいぜい３種類くらいに絞られる。

それを何度も何度も繰り返す。自分にとって意味のある演奏は、何度聴いてもいつも新しい発見がある。

そしてようやく自分の引出になっていく。ようやくその作品の「しゃべり方」がわかってくる。

そこまでやらねば。
そこまでやらねば。
そこからがスタート。

本番が終わったその瞬間から、
音楽的には次のコンサートへ気持ちが移っていく。
練習開始まであと半年以上。
この時期に何をすべきか？何ができるか？

まったくの空白期間を作ることも大事だけれども、
必ずいつかその時期は来る。一度来てしまったら、どんなに
悪あがきしても音楽が心に染みてこない。
回復には１週間のときもあれば、１ヶ月かかることもある。

ならば、この時期はひたすらインプットしよう。
次に取り上げる作品を聴きまくる。
今度はコンチェルトだから、おそらく数十種類の音源は聴くだろう。
骨と血に刻むだろう。

そして、まったく違う分野の作品も聴きまくる。
北欧だけでなく南欧の作品、スラブならばラテン、現代ならば古典、、、

自分の抽斗をひたすら広げるために。
自分の限界をひたすら超えるために。
自分の常識をひたすら打ち壊すために。

生まれ変わった気持ちで初めての練習日を迎えよう。
一番最初の聴衆は、ステージメンバーなのだから。

本番直前のリハ＠ゲネプロでできること。。。

なによりも会場の音響に慣れること。
そして、楽器間のバランスの調整、発音の調整、音量の調整、、、
楽器の調整なんてのもありますね。

でも、一番は、本番の成功をイメージすること。

たとえ、失敗した箇所があったとしても、何かを伝えられれば、
演奏会としては大成功のはず。その熱意をマグマのように
燃えたぎらせること。スイッチを入れるということかな？

そして本番直前、何をみんなに言って、自分の想いを伝えるか？
最後の一言が大事。

さてさて、明日は何を言いましょうか？（もう心に決めました）

アマチュア演奏家として、パートトップとして、そしてコンマスとして、、、、
いったい誰に仕えるべき？

指揮者？
作曲家？ 編曲者？
聴衆？
オーケストラ？
作品そのもの？ 瞬間瞬間の音？
自分の愛器？ 培った音楽観？

どれも正しいけれど、私はまずは「作品そのもの」に仕えたい
「作品」が持つ魅力をありのままに、謙虚に伝えたい
だから、「いい演奏だったよ」と評価されるより、

「ほんとにいい曲だね」

って言われたい

そんな記憶に残る出会いを演出できたらと思うのです

メシアンや吉松隆のような模倣や音素材ではなく、、、

マンドリンの発音は、鳥の声に似ているかもしれない
基本的には短い点の集合体

それにしてもあの音の抜け、遠鳴りはなんだ？
小さな体に共鳴しているわけでもなく、大空に反響板があるわけでもない
それでも複式呼吸のような存在感がある音
遠くの声でも決して他に埋もれない音の輪郭
まっすぐに向けられた音の方向感

そんな生命の音を、いつの日か出せるようになるのだろうか？

そういえば、これについて書いていないと思ってふと気づいた
半数が演奏会についての思いを連ねてる

そう、それは当たり前の話。自分自身がコンサートマスターだから
オーケストラマスターではなく、オーケストラトップでもなく、
オーケストラリーダでもなく、、、

あくまでも「コンサート」マスターなんだよね

その対象は、コンサートにあって、オーケストラはあくまでもその手段
コンマスは、「コンサート」全体の責任を一義的に負うのだ

指揮者が一つ一つの音楽作品に対して責任を負うのに対して、
コンサートマスターは、１回１回の「コンサート」に対して責任を負う

一つ一つの「演奏」責任だけでは足りないのだ

指揮者とオーケストラとの橋渡し、翻訳者、現場監督、、、
そんな言われ方をするけど、

その対象は、究極的には「コンサート」そのもの

聴衆との一期一会をどう作り上げていくか、それがスタート地点だ

事前知識が全くない状態で聴いてもらう演奏会は、成り立たないのでは？

感動は格差から生まれるとすると、お客さんには何らかの期待を抱かせなければならない

曲を知ってる、練習の過程を知ってる、作品の背景を知ってる、指揮者の狙いを知ってる、音の魅力を知ってる、他団体との違いを知ってる、などなど

むいてもらう関心の対象は異なっていたとしても、その日その時間に至るまで、何らかのドラマがないと、どんなに良い演奏を行っても薄い印象しか残らない

だとすれば、演奏家として、事前情報として、どんなドラマを提供すべきなのか？ 感情移入させるためには、どんな作戦が有効なのか？

演奏会開催にあたって、団体として、指揮者として、オケとして、何か目標をたてるべきか？ たてるならばどうたてる？

目標設定は良いが、達成度をどう測る？ 誰が判断出来る？ どれだけ実感を伴える？

「本番で間違えない」
「いついつまでに音をとる」
「指揮を良く見る」
「○○小節目のアンサンブルを上手く弾く」

こんな目標ではダメダメ 個人目標じゃないんだ ゴールも良く分からない

「お客さんをたくさん呼ぶ」
「良い音を響かせる」
「マンドリンの新しい魅力を表現する」
「ドビュッシーらしさを表現する」

これらもダメダメ ちっとも具体性がない

あなたならどんな目標立てますか？

個人的にもっとも印象深いのは、メトでレスピーギ＠ローマの噴水をやったとき

「徹底的にｐｐにこだわる」
「思いっきり、、、で」
※、、、にはｐｐやｍｆで、途中で音をとめて、中途半端に、などが入る

簡潔かつ具体性があって、誰もがその成果を実感できた その後のオケの基本を作った素晴らしい目標だった

５年後、１０年後に、自信を持てるような目標設定をしませんか？

今年の演奏会のテーマを「ドラマ」とした。
主題歌ではなく、メイクドラマの方だ。

そこで、良い「ドラマ」とは何だろうと考えた。
良い「ドラマ」に必要な要素は？
物語や小説との違いは？
ドラマはどこに宿る？

【シナリオ】
　・先が見えること？（水戸黄門や寅さんなどの安心感？）
　・先が見えないこと？（筋書きのないドラマ？）
　・ありえないこと？　それとも共感できること？

【キャラクター】
　・主人公（＝主役パート、主題）の演技？
　・名脇役（＝対旋律）がいること？

【環境設定】
　・時代を反映していること？
　・舞台設定を日常にする？　それとも非日常？

【オリジナリティ】
　・何に心打たれるか？　原作と脚本、役者の演技やアドリブ？
　・全体か部分か？

　・・・等々

演奏会のテーマって、単に選曲のテーマだけでなく、こういう中身の
話もあるのではないかな？　エンターテナーとして、誰かがこういうこと
を考えていないと。

でも、現実的なレベルで、演奏者、指揮者、事務局のそれぞれの視点で
どう議論すればいい？　ベクトルをあわせるための手段や方法って、
どんなものがあるのだろう？

【対象】
・やりたい人がいること(その気持ちが大事)
・その団体にあった編成
・声部が複雑でないこと(楽器数の制約)
・ピアノ編曲版を参考にする(発声や音の減衰に違和感がないこと)
・金管楽器が単独で目立ちすぎない(代替が可能)
・あまり他の編曲がないこと、既存譜面に不満があること(編成、ギターの扱い、音域の変更、音の省略)
・クラシック作品としてある程度著名であること／入手スコアの活用(珍しいもの)
・テンポが早すぎないこと(細かい音が聞き取れない、弾けない)
・音域が高過ぎないこと

【手法】
・スコアの徹底研究(版の違い)
・編成の決定
・オーケストレーション(和声、旋律線)の再構築
・旋律楽器の選択(音色)
・ギター音域の拡大
・ソリスト多用による立体感の確保
・ポジション弦指定は最小限に
・和声上の音の省略、変更は最低限に、音量は柔軟に
・弾き方を工夫しないでもうまく聞こえるバランス

歴然とあることは事実

でも、音楽作品には普遍性や汎用性があると思う たとえそれが作曲家の意図に明らかに反するものだとしても 作品として生み出された瞬間から、作曲家の手から離れて一人歩きを始める それが出来る作品こそ、価値がある作品というのでは？

そして、それと同じくらい、演奏家の想いもあるかな 独り善がりと紙一重だけど、あるいは独り善がりであったとしても、その想いがない演奏よりは聴衆の心をうつ

だからこそ、自分にとっては、マンドリンに合うか合わないか、作品の別の面白さを表現出来るかってことには、それほど関心がない

あるのは自分の基準の中で、出来るか出来ないかだけ 面白いかそうでないかだけ

ちょっと予想外かな

演奏家にとって、楽譜はすべてであり、楽譜からすべてを読み取らねばならない

これを大前提とした上で、楽譜というものはあまりに不完全だ

楽譜に書かれているものは、ほとんどが相対的な指針であり、同じ記号が書かれていても、その前後関係などによって意味が変わって来る つまり解釈のない音楽演奏はありえない

作曲家が込めた思いのほんの何割しか表記されない はたまた、楽譜が書かれると言うこと自体、作曲家の一時点の思いでしかありえない 作曲家の心変わりまで楽譜は反映し切れないのだ

要は作品の解釈が、納得性のあるものなのかだ 説得力があるものなのかだ

一つの味を徹底的に追及しないと、早晩つぶれるのみ

お客さんはファンとして引き継がれる 卒業するお客がいることは事実 お客の成長とともに、その人自身が味を受け入れなくなることもある それでもお客さんの心には残るはず

支店を出す必要なし 評判が評判を呼ぶ これまでのお客さんと新しいお客さんとの違いなんてあるはずはない たとえ周りの環境が変わったとしても

そして調理人が変わっても、レシピと味へのセンスは変わらない それこそ門外不出と時間の重み

そんなお店、兼業で出来るはずない ２４時間３６５日が勝負